François Chifflart. L’insoumis

Une importante rétrospective en 170 pièces qui rend hommage à hommage à François Chifflart (1825-1901), maître du noir et blanc.

Son esprit indépendant et révolté contre l’académisme et le pouvoir en place a raison de la carrière prometteuse qui s’offrait à lui après l’obtention du grand prix de Rome en 1851.

Cet admirateur de Victor Hugo exprimera son talent dans les arts graphiques : aquafortiste hors pair, il participe par ses « improvisations sur cuivre » au renouveau de l’eau-forte ; dessinateur inspiré, il réalise des illustrations des Travailleurs de la mer en 1869, puis exécute les dessins pour Notre-Dame de Paris et La Légende des siècles, devenues depuis des icônes hugoliennes. Pour Le Monde illustré, il fixe aussi dans la mémoire collective les incendies parisiens de la Commune.

François Chifflart, La Conscience, Détail, 1877, Pierre noire ou fusain huilé sur papier © Maisons de Victor Hugo Paris-Guernesey / Paris Musées

Elles. Les élèves de Jean-Jacques Henner

Alors que l’École des beaux-arts leur était interdite, comment les femmes se formaient-elles à l’art durant la seconde moitié du XIX^e siècle ?

Le musée national Jean-Jacques Henner consacre une exposition dédiée aux élèves féminines de Jean-Jacques Henner, qui ont suivi les enseignements du peintre sous différentes modalités.

Cette exposition met en lumière, à travers plus de 80 peintures, dessins, lettres et photographies, le travail et la vie d’une dizaine de femmes artistes de la seconde moitié du XIXe siècle. Certaines ont eu des parcours emblématiques, toutes sont encore trop méconnues du grand public…

Marie CAYRON-VASSELON, Carnet de dessins. Portraits d’élève de l’atelier : Mlle Durif, entre 1881 et 1882, graphite sur papier. Collection de la famille Carcenac-Cabrol, descendante de Marie Vasselon © Jean-François Peiré - DRAC OCCITANIE.

Pierre Alferi - Dessins, 2006-2021

Cette exposition personnelle aux Beaux-Arts de Paris, où il enseignait depuis 2015, présente pour la première fois au public un ensemble conséquent d’une cinquantaine de dessins, réalisés entre 2006 et 2021.

En parallèle de son travail d'écrivain et de poète, Pierre Alferi (1963-2023) a intensément dessiné pendant des années, une pratique qu'il n'a dévoilée qu'en 2020 sur son site Enseignes.

Ses dessins, sur lesquels il a souvent écrit, explorent la relation entre mot et image, servant à la fois de terrain d'expérimentation et d'expression personnelle.

Geneviève Asse, carnets

Cette exposition rend hommage à Geneviève Asse (1923-2021), figure majeure de la peinture et de la gravure française du XX^e siècle, à l'occasion d'une donation de vingt-cinq carnets à la BnF.

Ces carnets, donnés par sa veuve Silvia Baron Supervielle, rejoignent l'œuvre gravé de l'artiste au département des Estampes et de la photographie.

Mêlant peinture, dessin, gravure et livre illustré, ils révèlent une dimension très intime de son travail.

Réalisés principalement entre 1980 et 2000, ils incluent également “La Ligne bleue” datant de 1971.

La Ligne Bleue (extrait d’un carnet à dessins), Geneviève Asse (1923-2021) - 1971 - © ADAGP, Paris, 2024

Est-ce un Delacroix ? L’art de la copie

Comment percer les secrets du processus créatif d'Eugène Delacroix ?

Le musée Delacroix dévoile un nouvel accrochage qui nous emmène au cœur de la création artistique en explorant ses étapes. Il permet de s’interroger sur le statut d'un tableau, d'un original, d'une copie ou d'une reproduction.

Dans l'intimité de l'appartement et de l'atelier de l'artiste, le parcours nous invite à découvrir la collection du musée sous un jour nouveau, enrichie d'œuvres exceptionnellement sorties des réserves.

Eugène Delacroix, Shakespeare’s cliff, mai 1825, graphite sur papier Crédit : GrandPalaisRMN (Musée du Louvre) / Tony Querrec

Un exil combattant. Les artistes et la France 1939-1945

Cette exposition propose un voyage à travers les arts et l’histoire, révélant comment les artistes et les intellectuels en exil ont mis leur créativité au service des valeurs de liberté

De Londres à Sydney, en passant par New York, Brazzaville, Buenos Aires, Cuba ou encore Alger, les visiteurs découvriront les parcours variés et les engagements courageux de nombreuses personnalités. Parmi elles, des figures marquantes comme René Cassin, Germaine Krull, André Masson, Wifredo Lam, Maria-Helena Vieira da Silva, Henry Valensi, Fernand Léger, Jean Hélion, Anna Marly, Micheline Rosenberg, Georges Duthuit, Jean Gabin, et bien d'autres.

L’exposition présente de nombreux dessins, dont certaines inédits, et souligne la persistance de la liberté d’action et de création, incarnée par l’esprit des Lumières, dans les territoires ralliés.

Henry Valensi (1883-1960), Le Débarquement, 1944, Gouache et crayon sur papier. Paris, musée de l’Armée, inv. 2023.53.1

Les mondes de Watteau

Les collections du duc d’Aumale conservées au musée Condé, Château de Chantilly, comprennent un ensemble de dix œuvres d’Antoine Watteau (1684-1721). Mis bout à bout, ces six dessins et quatre peintures offrent un aperçu aussi complémentaire que varié des différentes facettes de l’œuvre de l’artiste.

En réunissant autour de ces œuvres des prêts permettant de reconstituer la genèse de certaines peintures, de faire dialoguer différents traitements d’un même sujet par l’artiste ou de confronter les approches qu’il adopte successivement, l’exposition envisage de plonger le public dans Les mondes de Watteau au moyen d’un parcours en cinq sections :

• Portraits
• D’après les maîtres
• Regards sur le monde contemporain
• Modes et costumes de théâtre
• Les fêtes galantes

Antoine Watteau, Jeune femme assise à terre, vers 1715, sanguine, 20,3 x 19,3, Chantilly, musée Condé, copyright GrandPalaisRmn - Domaine de Chantilly-Thierry Ollivier

Ruhlmann, décorateur

L’histoire a retenu Jacques-Émile Ruhlmann comme le véritable triomphateur de l’exposition de 1925.

Le musée des Arts décoratifs lance les célébrations du centenaire de 1925, par un hommage à cet exceptionnel décorateur, à travers des dessins, des papiers peints et des photographies issus de ses collections.

Jacques-Émile Ruhlmann and Desfossé & Karth — Wallpaper Circa 1917 © Les Arts Décoratifs

Rococo & Co. De Nicolas Pineau à Cindy Sherman

À l’occasion du salon du Dessin 2025, le musée des Arts décoratifs met à l’honneur l’une des figures majeures du renouvellement artistique du début du XVIII^e siècle, Nicolas Pineau, sculpteur ornemaniste et architecte.

En confrontant des dessins pour la plupart exposés pour la première fois à des pièces de boiseries et des objets de la collection du musée, cette exposition propose une plongée inédite dans la fabrique de l’art rocaille.

Cindy Sherman, Soupière et plateau Madame de Pompadour (c) Les Arts Décoratifs / photo de Christophe Dellière

Eugène Viala (1859-1913). La Cendre du rêve

Né en 1859 Eugène Viala est un artiste aux multiples facettes, aquafortiste, poète, peintre, aquarelliste.

La dimension fantastique et visionnaire de son œuvre inscrit Viala dans la filiation des peintres-graveurs qui, de Francisco de Goya à Rodolphe Bresdin et Odilon Redon, furent adeptes du pouvoir suggestif des noirs de l’encre.

Cette exposition met Eugène Viala en lumière à travers près de 80 gravures et dessins préparatoires.

Exposition en collaboration avec le musée Denys-Puech de Rodez et la contribution d’un collectionneur privé

La Tour de Peyrebrune, étude au lavis [entre 1888 et 1898], Plume et lavis à l’encre noire, Cat. 44, rubrique « Rapprochements », Collection particulière

 

Appiani (1754-1817)
Le peintre de Napoléon en Italie

Une centaine d’oeuvres – peintures, dessins, gravures, médailles appartenant à des collections européennes publiques et privées – sont réunies pour la première rétrospective organisée en France sur cet artiste, considéré comme le plus important peintre de la période néo-classique au nord de l’Italie.

L’exposition présente la manière sensible, monumentale ou intimiste du plus grand artiste milanais de son temps : les débuts d’un peintre formé au dix-huitième siècle, les scènes de la geste napoléonienne et de la république naissante, les effigies de Napoléon et Joséphine, les études et dessins préparatoires pour les décors des hôtels particuliers et des églises.

Andrea Appiani, Portrait de Giuseppe Vallardi, 1795-1798, Huile sur toile, 24,8 x 19,4 cm, Gallerie dell’Accademia di Venezia, Venise © G.A.VE - Archivio fotografico – “su concessione del Ministero della Cultura”

Le Monde à la pointe du crayon
Voyages de Le Corbusier 1907-1933

L’exposition, dont la commissaire est Danièle Pauly, explore les voyages de formation et d’études de Le Corbusier à travers une trentaine d'œuvres originales rarement exposées.

En 1907, à 20 ans, Charles-Édouard Jeanneret quitte sa Suisse natale pour l'Italie, où il découvre les cités toscanes et les fresques du Trecento. Les dessins à la mine de graphite et les aquarelles exposées illustrent sa double approche : une analyse méthodique des architectures et une recherche chromatique, héritée de son souhait de devenir peintre.

En 1911, il entreprend un voyage initiatique de six mois vers l’Orient, traversant les Balkans, la Turquie, la Grèce, et l’Italie. Ses carnets de voyage témoignent de l’acuité de son regard sur les architectures et les villes traversées.

Plus tard, ses voyages en Amérique latine (1929) et en Afrique du Nord (1931-1933) renforcent sa réflexion sur l’habitat, la ville et le paysage. Ces découvertes nourrissent sa vision architecturale tout en alimentant son ‘plaisir du dessin’, exprimé dans des études au pastel et à l'aquarelle.

L’exposition présente également des fac-similés de ses carnets de voyage et de lettres, des photos et des diaporamas, qui éclairent les fondements de sa pensée architecturale.

L’expérience de la nature des arts à Prague à la Cour de Rodolphe II

Grand protecteur des arts et des sciences, l’empereur Rodolphe II (1552-1612) était l’un des souverains européens dont l’enthousiasme pour l’étude de la nature était le plus vif.

Il appela à sa cour des savants et des artistes venus de toute l’Europe, qui travaillèrent à proximité les uns des autres dans l’enceinte du château, faisant de Prague un véritable laboratoire, un lieu d’expérimentation, dans un climat propice de tolérance intellectuelle et religieuse.

La première partie de l’exposition présente cette convergence des regards scientifiques et artistiques sur la nature, particulièrement sensible à la cour de Prague.

La seconde partie de l’exposition montre comment cette curiosité visuelle, commune aux scientifiques et aux artistes, contribua au renouvellement de la création artistique à Prague.

Amor. Allégorie du printemps Georg Hoefnagel c Musée du Louvre. Dist RMN-Grand-Palais Martine Beck-Coppola

Exposition des lauréats et sélectionnés du Prix de Dessin Pierre David-Weill

Le Prix de Dessin Pierre David-Weill - Académie des beaux-arts a été créé en 1971 par Pierre David-Weill, membre de l’Académie des beaux-arts afin d’encourager la pratique de ce geste essentiel de la création auprès des nouvelles générations d’artistes.

Ce prix soutient les artistes de moins de quarante ans utilisant les techniques propres au dessin et participe ainsi à l’émergence de nouveaux talents dans cette discipline.

Maximilien Luce (1858-1941), l’instinct du paysage

Cette rétrospective met en lumière l’œuvre du peintre néo-impressionniste Maximilien Luce, pilier du milieu anarchiste, à travers le prisme du paysage. Car, outre le caractère humaniste qui fait battre le cœur de Luce, le paysage est l’autre dominante qui anime sa peinture.

L’exposition suit les pérégrinations de l’artiste, et à travers elles, les transformations sociales et industrielles de son temps.

Les scènes idéalisées de baignades cohabitent avec les profils inquiétants des usines. La ville, les fabriques et la nature s’offrent ainsi comme un terrain d’expérimentations fertiles. La singularité avec laquelle Luce saisit la lumière et la couleur dévoile l’étonnante beauté des paysages urbains et ruraux.

Maximilien Luce Paris vu de Montmartre, 1887 Huile sur toile Association des Amis du Petit Palais, Genève, Ph © Studio Monique Bernaz, Genève

Dessins de bijoux. Les secrets de la création

Le Petit Palais dévoile pour la première fois sa collection unique de dessins de bijoux, couvrant plus d’un siècle de création, de la seconde moitié du XIX^e au milieu du XX^e siècle.

L'exposition retrace le processus créatif des dessinateurs de haute-joaillerie, depuis leurs sources d'inspiration jusqu'aux créations finales, à travers études, esquisses, gouachés et maquettes de bijoux.

Le parcours traverse les époques et les styles, mettant en lumière les techniques des plus grandes maisons comme Lalique, Cartier, Rouvenat et Boucheron.

Collier, Raymond Subes, 20e siècle, Crayon graphite, gouache, papier cartonné, 23,8x16 cm., Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, © Paris Musées / Petit Palais, ADAGP, Paris, 2025

I hit you with a flower sugar-coated art with a punch

Cette exposition présente le travail d’artistes aux œuvres d’apparence frivole, aussi attrayantes qu’intelligentes.

D’exubérantes images aux accents légèrement provocants glissent nonchalamment des mains de ces artistes, abordant avec raffinement des sujets tels que le féminisme, le genre, l’(homo) sexualité, l’intimité, l’érotisme, le racisme ou encore la pleine acceptation du corps, d’une manière si délicieusement sublimée qu’on le remarque à peine.

En partenariat avec le Stedelijk Museum Schiedam aux Pays-Bas.